康康

高研班的学习是紧张的，也是兴奋的，每天的内容都在填补着我的空白，每天的收获又充满惊喜。从聆听楼宇烈教授的哲学思考到张继钢教授的文艺分析，到倾听王晓鹰导演、罗怀臻教授的创作理念到亲睹《兰陵王》的舞台演绎，我们始终在老师的指导下，传承历史文化，探寻当下文艺发展，确切地说，是当下舞台表演艺术的创新发展方向。

影视工业规模化和信息产业娱乐化，使舞台表演渐显小众特征，地方曲艺更是小众中的小众，严格的演出现场环境要求与日趋缩小的观众群形成鲜明的比对，所以，在严酷的事实面前，传承和传播都在经受着艰巨的挑战。但即便如此，我们依然必须坚持自已的选择，不会因困境和局限而轻易放弃初心，因为我们每一个曲艺演员都肩负着将舞台表演这种“现场”艺术形式保护和发扬下去的社会责任和历史使命。王晓鹰导演在为我们授课时说过，繁荣是量的积累，发展是质的突破。的确，我们小众艺术尤其需要更多的演出机会，更多的剧目题材，才能让氛围越来越浓厚。我们演员和作品本身都将在这个过程中历练打磨、日臻完善、走向成熟，从而赢得广泛的观众基础，最终形成大众传播。同时，我们也要牢记更好地服务于广大观众是演员必备的职业素养，从这一点出发，我们能看到舞台表演有着影视形式无法拥有的优势，那就是我们与观众的沟通是面对面的，具有直接性与亲和力。这个模式为我们搭建了在演出中享受掌声的平台，特别是当我们走进社区走进校园去为观众表演，我们与观众之间咫尺相对，这个格局的利处就愈发突出，观众对我们演出效果的反应几乎能时时传递到台上，这般无形的压力对我们后面的改进起了十分积极的作用。

局限也好，压力也好，事实上都是促进我们工作的动力。舞台表演是“现场制作”。比如我们扬州弹词，虽然有一部分传统书目已经被整理成了文字，作为台本供观众阅读，供演员参考，但弹词毕竟还是基于扬州方言的口语表演，演员入戏出戏全在说、唱、表的交替轮换中，碰上单档演出，还要一人分饰多角。而况江淮语系中有些字词古老而复杂，文字并不一定能全部准确地注解这些方言词语，因此，欣赏弹词必得亲到书场，从演员的表现方式上体会传统艺术的韵味之美。近几年，我们在继续保留传统书目之外，也创作了一些贴近时代的书目，让观众在认知上有“可触摸感”。例如，我从苏州弹词移植过来的长篇弹词《秋海棠》，短篇扬州弹词《阮玲玉》，《风筝》等。在将这些作品搬上舞台的时候，我们除了运用扬州方言，还加入了其他符合角色要求的元素，比如戏曲唱腔、中原地区和华北地区的方言，以突出人物的个性特点，使作品更加丰满，有骨架，有灵气。

可是，就个人感觉而言，这些举措依然仅限于尝试创作，离创新创作还有距离，如何突破现有水平，在缺乏专业编导的情况下，凭我们演员自己的能力做好二度创作，一直是我最大的困惑。这次高研班培训之后，我对创作有了不同以往的认识。创作不是关着门闷着头写东西，创作需要灵感，灵感可遇不可求，但主要来自于作者对生活的体验和挖掘。对于我们地方曲艺来说，要创作出切合不同层次审美观的曲艺作品，一方面得了解广大观众的需要，这样更容易在作品中融入可能激起观众的共鸣和想象的题材；一方面努力打造文艺的美学意境。创新创作并不是把不同类型的艺术形式排列组合在一起，过于雷同繁冗的作品所囊括的信息量不仅不能让观众欣然接受，相反可能会引起观众的审美疲倦，也就丧失了文艺表演的观赏性。但凡发乎深思、源于内心的作品，决不会一味追求素材堆砌与情节震撼，细腻描摹也可将世情百态、教化哲思送达观众内心深处。故此，我们极其需要资历深厚的导演老师教授一些创作技巧，打开我们的创作思维。

曲艺是民俗文化，正因其“俗”，才能根植大众；正因其一贯贴近人民，我们扬州弹词才能传续百年。作为一名文艺工作者，有义务担负起习总书记在“十九”大报告中所强调的“坚定文化自信，推动社会主义文化繁荣兴盛”的伟大使命，修为馨德，弘扬正气，率先垂范，坚定坚守，用优秀的文艺作品支撑国家和民族的文化灵魂。

作者 | 康康

编辑 | 教学科研处 于跃