10月25日下午，新文艺群体九期舞蹈、音乐领域学员聚焦跨界融合实践、媒介创新传播等议题，结合各自创作项目与一线运营经验展开分享。

△范松青分享

范松青结合行业观察与个人思考，提出当下评判作品的标准正在从“好不好听”“好不好看”转向“好不好用”的观点。他以《没出息》《嘉禾望岗》《孤勇者》《如愿》等作品为例，归纳出“有用的作品”三点特征：一是有痛点与情感连接点，替大众说出没说出口的话；二是有留白，为大众留出想象、二创与代入空间；三是创作与传播要行之有效，让作品真正抵达垂类人群并推动受众主动参与。他认为新大众文艺的源头活水是真实的生活、真实的人、真实的情感。 

△董文杰

董文杰以跨地域创作实践为线索，分享关于在地性舞蹈编创的思考。依托分布于不同地域的多部舞剧实践，她探索肢体叙事、数智媒介与非遗的舞台转化，深耕地域文化内核，感知乡土大地孕育的生命力量。她循着艺术通感打破门类边界，持续深耕舞剧、肢体戏剧、舞蹈剧场等，在作品里体察人文底蕴、人性温度与时代议题。她表示，要心怀热爱，赤诚为本，坚持以舞蹈完成有思考、有温度的艺术表达。

△樊源分享

樊源长期深耕中国古典舞创作，擅长打造多元风格的古典舞舞台作品。古典舞于身韵、体态、留白之间，蕴藏深厚的中式美学意蕴。在跨界艺术交流中，他重点分享了舞蹈编导的动作语汇与创作逻辑，让更多艺术从业者读懂肢体背后的意象表达、情感张力与精神内核，打破门类审美壁垒，促进各艺术领域互通互鉴、融合共创。

△吴志豪分享

吴志豪从舞台舞者转型为舞蹈影像创作者，他始终在追问：舞蹈的高光瞬间能否被留住？舞台表演有保质期，但影像却可以定格转瞬的绽放，让这份美好被反复看见。舞蹈作为极具包容性的艺术载体，能够与书法、美术、器物等多元领域实现跨界共生。他希望借助镜头语言打破艺术边界，在跨界碰撞中挖掘更多创作可能，让作品突破时空限制，触达更广泛的受众。

△杨冬才分享

杨冬才立足长期深耕的舞蹈影像创作，以《望乡谣》《神鸟》等作品为例，分享水下影像、AIGC、纪录片与舞台影像等多元实践，探索不同媒介与形式的表达可能，在“破”与“立”之间寻找新的创作语言。从“我想表达什么”出发，思考身体如何被记录、表达与分享，将个人感受与文化经验转化为视听表达，让观众感受身体的韵律之美，也走近舞蹈背后的人与故事。围绕“从先锋到大众”，他进一步探讨跨门类合作、展映策划与公众交流，寻找个人表达与大众共鸣的契合点，让舞蹈以更多元的方式走进日常生活。

△孟琪分享

孟琪结合自身专业舞蹈从业经历，分享关于打造少儿舞蹈短视频IP的思考。她曾打造出爆款短视频，也清醒地认识到爆款存在较强偶然性。她希望将平台账号中教学纪实、课堂瞬间、原创编创等零散板块整合，构建兼具信任、温度、专业高度的长线IP，不再依赖偶然流量。同时她提出困惑，希望挖掘爆款可复制逻辑，寻找适配少儿舞蹈的创意选题、人物栏目模式，探索把偶然网感沉淀为稳定内容的方法论，实现线上流量向线下机构招生转化。

△周澎分享

周澎谈到，在本次研修中与舞蹈、美术、影视、书法等不同艺术门类的同仁交流研讨，收获了诸多跨界创作启发。作为新文艺群体音乐人，他认为文艺创作要扎根人民、紧跟时代，用真诚鲜活的旋律传递正向力量。研修期间，他为研修班和新时代文艺工作者创作并演唱了新歌《我们追逐着光》，还参与演唱了同班学员的原创作品，用音乐凝聚同心向上的力量。今后，他将继续沉下心打磨作品，立足新文艺群体身份，发挥音乐感染力，用心讲好新时代中国故事。

△沈莉分享

沈莉立足行业市场观察，提出“有文化内核的复古与怀旧就是流行”的独到观察。她秉持“融合跨界、传承启新”的理念，以胶集音乐艺术中心为实践样本，探索黑胶音乐文化大众传播的创新与实践。她希望消弭高雅艺术与日常生活的边界，搭建以黑胶音乐为核心的生活方式和同好交友平台，推动音乐审美向多元社会场景延伸，自然浸润大众，为新时代新大众文艺的生态构建与经典文化活化传播提供全新实践参考。

△常慧渊分享

常慧渊结合多年民族音乐传播实战案例，立足数智新语境，从内容创作、传播借势、圈层裂变三个维度展开思考。他提出，音乐传播的核心在于讲述故事、传递情绪、激发共鸣，应打破“语言阻碍传播”的固有认知，探索少数民族音乐跨越语言边界、实现破圈传播的有效路径。

△陈鹏杰分享

陈鹏杰结合《麦田里的摇滚》《北京说》《光背面的人》等作品的创作实践，围绕新大众文艺如何实现情感共鸣展开交流。分享标题里的“副歌”，并非通常意义上的歌曲段落，而是他们为本次研修班全体学员精心创作的特别礼物——专属歌曲《借一束光》。他提出，在当下快节奏短视频传播背景下，创作不必刻意追求快速制造情绪高潮，而要以真诚的艺术作品表达触碰大众内心，持续探寻适配当下传播语境的文艺创作方向。

△学员合影

摄 影｜新文艺群体九期学员 

撰 稿｜新文艺群体九期学员

编 辑｜詹   望

编 发｜周思邈